Quando guardo le opere di Annamaria Olmo, uno degli aspetti più significativi che vedo emergere è quello del paradosso.
Sì, il paradosso mi sembra rispecchiarsi ovunque: nella tela di juta ruvida a cui è applicato il metallo dei re e elle divinità. L’oro, l’argento, metalli preziosi, fatti ossidare e rovinati. E tutto ciò, così imperfetto, utilizzato per ritrarre opere umane la cui perfezione ha fatto sì che giungessero ai nostri giorni: I monumenti, come la basilica di san Marco, o altri edifici che Annamaria ha visitato.
Ma paradosso è anche il tratto semplificato, quasi macchia di colore, utilizzata per dipingere ben definiti soggetti. Con semplici linee e macchie Annamaria Olmo è in grado di far comprendere all’osservatore con certezza cosa sia dipinto. Infatti accadde che dopo aver guardato le sue opere, mi capitò tra le mani la foto della figlia, e l’impulso fu subito quello di pensare: “..ma è proprio lei in quel quadro che avevo visto!…”
Questa paradosso di forma e colore, è chiaramente visibile anche negli acquerelli di Annamaria: basta una macchia di colore indefinita, e hai già compreso di che fiore si tratta, o un semplice colpo di pennello ed ecco che appare un gatto in un agile salto.
Un’altra caratteristica di Annamaria Olmo, è quella di saper riportare nella rudezza della tela grezza, immagini di una dolcezza ammirabile.
In questa categoria di paradosso abbiamo le maternità, i Putti e Angeli, e infine le dolci coppie innamorate. Queste ultime sono immortalate in un miscuglio di tenerezza e passione reciproca che solo un innamoramento infuocato può dare.
Annamaria ha la capacità di saper destreggiare il pennello facendo sussistere allo stesso tempo: concreto e indefinito, semplice e definito, prezioso e vile, dolce e rude.
Marta Nevastro